Andy , Warhol,

공장

앤디 워홀에 대해

Andy Warhol은 1928년 8월 6일 피츠버그에서 Andrew Warhola로 태어났습니다. 1949년 피츠버그에 있는 카네기 공과 대학에서 학사 학위를 받았습니다. 같은 해에 그는 뉴욕으로 이사하여 곧 상업 예술가이자 일러스트레이터로 성공했습니다. 1950년대에 Warhol의 그림은 Glamour와 다른 잡지에 실렸고 백화점에 전시되었습니다. 그는 I. Miller 신발의 삽화로 유명해졌습니다. 1952년, 뉴욕의 휴고 갤러리는 트루먼 카포티의 글에 대한 워홀의 삽화를 선보였습니다. 그는 1956년에 유럽과 아시아를 여행했습니다.

1960년대 초반까지 Warhol은 광고에서 파생된 만화 캐릭터와 이미지를 그리기 시작했습니다. 이 작업은 코카콜라 병, 수프 캔과 같은 진부한 주제의 반복이 특징입니다. 그는 또한 이 시기에 유명인을 그렸다. 워홀의 새 그림은 1962년 처음으로 로스앤젤레스의 페러스 갤러리에서 전시되었고, 그 다음에는 뉴욕의 스테이블 갤러리에서 개인전을 가졌습니다. 1963년까지 그는 손으로 그림을 그리는 대신 실크스크린 공정을 사용했습니다. 그는 조수들과 함께 일련의 재난, 꽃, 소, 초상화뿐만 아니라 3차원 팩시밀리 브릴로 상자와 기타 잘 알려진 가정용품 상자를 제작했습니다.

1960년대 중반부터 그의 뉴욕 스튜디오인 팩토리(Factory)에서 워홀은 반복과 지루함을 강조하는 영화를 만드는 데 집중했습니다. 1970년대 초에 그는 다시 그림을 그리기 시작하여 몸짓 붓놀림으로 돌아가 마오쩌둥의 기념비적인 초상화, 초상화 의뢰, 망치와 낫 시리즈를 제작했습니다. 그는 또한 글쓰기에 관심을 갖게 되었습니다. 그의 자서전인 The Philosophy of Andy Warhol(A to B and Back Again)은 1975년에 출판되었고 Factory는 인터뷰 잡지를 출판했습니다. 1970년 패서디나 미술관에서 조직한 워홀의 주요 회고전은 미국과 해외를 순회했다. 워홀은 1987년 2월 22일 뉴욕에서 사망했습니다.

“네덜란드의 베아트릭스 여왕” 구매에 관심이 있습니다.
1984년 Reigning Queens 시리즈에서.

Yuina, Wada, 和田唯奈

공장

와다 유이나에 대해

(일본 기후, 1989)

‘어릴 때부터 그림 그리기와 그림 그리기를 좋아했습니다. 나는 14살 때부터 밝은 색상과 반짝이는 소재를 사랑하게 되었습니다. 나는 그들과 함께 그림을 그리는 방법을 연구했습니다. 그리고 마음의 세계에 대해 생각합니다. 나는 그것에 대해 그리고 싶다.’

영화

와다 유이나 | 게이사이 #17

Walasse, Ting, 丁雄泉

공장

Walasse Ting 소개 (Ding Xiongquan – 丁雄泉)

신선함, 활력 및 화려한 색상은 강력하고 매우 개성적인 스타일로 실행되는 Walasse Ting의 여성, 꽃, 새 및 동물 묘사의 특징입니다. 그의 매혹적인 마법의 세계는 감각적 즐거움 중 하나이며 자연 세계의 아름다움에 대한 그의 열정을 공유하는 모든 사람들에게 어필합니다.

1929년 상하이에서 태어난 Ting은 상하이 미술 아카데미에서 잠시 공부한 후 1946년 중국을 떠나 홍콩으로 건너가 현지 서점에서 수채화 몇 점을 전시했습니다. 1950년에 그는 프랑스로 항해하여 결국 돈도 친구도 숙박도 없이 파리에 도착했습니다. 그는 도시를 흡수하고 처음으로 서양 미술, 특히 표현주의 운동과 피카소의 작품에 노출되면서 가난한 고군분투 예술가로 살았습니다. 중요한 영향은 벨기에 예술가인 피에르 알레친스키(Pierre Alechinsky)였습니다. 그는 Ting이 작은 다락방에서 벌거벗은 판자 위에서 자고 있는 것을 발견하고 그의 평생 친구가 되었습니다.

Ting은 추상 표현주의 시대가 한창이던 1958년에 뉴욕에 도착했습니다. 그는 미국 예술가인 Sam Francis와 친구가 되었고 이 운동은 그의 작업에 지대한 영향을 미쳤습니다. 파리와 달리 Ting은 자신의 작품을 칠하고 판매할 수 있었습니다. 그의 그림은 대담하게 떨어지는 획으로 그 당시 파리에 기반을 둔 중국 예술가 Zao Wouki의 방식으로 주로 시적 추상화였습니다. 1970년대에 와서야 Ting은 중국 서예 붓놀림을 사용하여 윤곽을 정의하고 색상의 평평한 영역을 생생한 아크릴 물감으로 채우는 자신의 독특한 스타일을 개발했습니다.

뉴욕에서 20년 이상을 보낸 Ting은 넓은 스튜디오가 있는 암스테르담으로 이사했습니다. 아주 오래전에 중국의 뿌리에서 벗어났지만, 그는 도시의 나무와 운하가 항저우의 서호를 떠올리게 한다는 것을 알게 되었습니다. 오늘날 그는 뉴욕과 암스테르담에 살고 있지만 고갱과 마찬가지로 자신이 좋아하는 이국적인 색을 찾아 타히티를 자주 방문합니다.

2002년 심각한 뇌출혈을 겪은 후 그는 더 이상 예술 활동을 계속할 수 없습니다. 2010년 4월 암스테르담에서 뉴욕으로 이사한 후 Walasse Ting은 2010년 5월 17일 80세의 나이로 사망했습니다.

영화

왈라세 팅 | 비디오

Jan, Schoonhoven,

에 대한

아티스트에 대한 정보

Pablo, Picasso,

공장

파블로 피카소 소개

파블로 피카소는 1881년 10월 25일 스페인 말라가에서 태어났습니다. 학문적인 화가인 José Ruiz Blanco의 아들로 어린 나이에 그림을 그리기 시작했습니다. 1895년 가족은 바르셀로나로 이사했고 피카소는 그곳에서 미술 아카데미인 라 론하(La Lonja)에서 공부했습니다. 1898년부터 1899년까지 Horta de Ebro를 방문하고 1899년경 Els Quatre Gats 카페에서 그룹과의 관계는 그의 초기 예술적 발전에 결정적인 역할을 했습니다. 1900년에 피카소의 첫 번째 전시회가 바르셀로나에서 열렸고, 그해 가을에 그는 세기 초에 몇 차례 머물렀던 것 중 첫 번째로 파리로 갔다. 피카소는 1904년 4월 파리에 정착했고 곧 그의 친구로는 기욤 아폴리네르, 막스 제이콥, 거트루드, 레오 슈타인, 그리고 두 명의 딜러인 앙브루아즈 볼라르와 베르트 웨일이 포함되었습니다.

그의 스타일은 Blue Period(1901-04)에서 Rose Period(1905)까지 중추적인 작업인 Les Demoiselles d’Avignon(1907)으로 발전했으며 이후 입체파의 발전[more] 분석 단계(ca. 1908-11)에서 합성 단계(1912-13에 시작)를 통해. 발레와 연극 제작에 대한 피카소의 협력은 1916년에 시작되었습니다. 그 후 얼마 지나지 않아 그의 작품은 신고전주의와 드로잉과 조형 표현에 대한 새로운 관심으로 특징지어졌습니다. 1920년대에 예술가와 그의 아내 올가(그가 1918년에 결혼함)는 계속 파리에 살면서 자주 여행을 하고 해변에서 여름을 보냈습니다. 1925년부터 1930년대까지 피카소는 어느 정도 초현실주의자들과 관련이 있었고, 1931년 가을부터 조각 제작에 특히 관심이 많았습니다. 1932년에는 파리 조르주 프티 갤러리와 취리히 미술관에서 대규모 전시회가 열렸고 Christian Zervos의 카탈로그 raisonné의 첫 번째 권이 출판되면서 피카소의 명성은 눈에 띄게 높아졌습니다.

1936년까지 스페인 내전은 피카소에게 깊은 영향을 주었고, 그 표현은 그의 그림 게르니카(1937, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid)에서 절정에 달했습니다. 피카소와 공산당의 연합은 1944년에 시작되었습니다. 1940년대 후반부터 그는 프랑스 남부에서 살았습니다. 피카소의 생애 동안 개최된 수많은 전시 중 1939년 뉴욕 현대미술관과 1955년 파리 장식예술박물관에서 열린 전시가 가장 의미가 깊었다. 1961년에 작가는 Jacqueline Roque와 결혼하여 Mougins로 이사했습니다. 그곳에서 피카소는 1973년 4월 8일 사망할 때까지 회화, 드로잉, 판화, 도예 및 조각 분야에서 다작의 작업을 계속했습니다.

오리지널 작품의 매매는 갤러리로 문의해 주세요.

Niki , de Saint Phalle,

공장

Niki de Saint Phalle 소개

Niki de Saint Phalle(Neuilly sur Seine, 1930 – San Diego 2002)는 패션 모델로 시작했습니다. 1953년 심각한 쇠약 시기에 그녀는 치료로 그림을 그리기 시작했습니다. 1955년 예술가 Jean Tinguely를 만난 것은 그녀의 사생활과 예술적 삶 모두에 큰 변화를 의미했습니다. 1960년 Tinguely와 함께 이사한 후 그는 영향력 있는 박물관 관장인 Pontus Hulten에게 그녀를 소개했고, 그는 여러 주요 전시회에 그녀의 작품을 출품했습니다. 1961년 암스테르담 스테델릭 박물관에서 열린 ‘Beewogen beweging’ 전시회와 뉴욕 MoMa에서 열린 ‘조립의 예술’, 이미 유명한 레오 카스텔리 갤러리에서 개인전을 통해 그녀의 마지막 돌파구를 마련했습니다. 그녀는 남편 Jean Tinguely와 함께 파리의 Centre Georges Pompidou에 있는 유명한 분수를 포함하여 다양한 조각품을 제작했습니다. 그녀의 가장 야심찬 프로젝트는 1979년부터 1996년까지 22개의 기념비적인 조각품 시리즈를 제작한 토스카나의 조각 정원인 타로 정원입니다.

Niki de Saint Phalle는 2002년 5월 22일 폐렴으로 71세의 나이로 사망했습니다.

영화

그녀의 작품에 대해

니키 드 생팔(Niki de Saint Phalle)이라는 이름을 들었을 때 가장 먼저 생각나는 것은 풍만한 몸매를 지닌 모체 나나(Nana)다. 나나는 그녀의 작업의 상징이 되었으며 현대미술의 아이콘에 가깝습니다. 나나는 상자로 사용할 수 있는 아주 작은 것부터 가까운 장래에 박물관이 들어설 30미터 높이의 거인에 이르기까지 모든 모양과 크기로 존재합니다. 나나 사이를 걸을 수 있는데, 가슴이 분수인 나나와 머리 위에 서 있는 나나가 있다. 최초의 나나스는 1964년 미국 화가 래리 리버스가 임신한 아내 클라리스의 초상화를 니키가 보았을 때 잉태되었습니다. 수년에 걸쳐 Nana는 Clarice의 초상화에서 일반 여성의 상징으로 진화했습니다. 그럼에도 불구하고 나나스는 니키의 작품 중 일부일 뿐입니다. 신화 속 인물인 타로 정원뿐 아니라 이상한 의자와 소파도 나나스 못지않게 ‘니키’다.

이상하고 바로크 양식의 인물과 환상적인 장식은 Niki de Saint Phalle를 현대 미술에서 특별한 위치에 주었습니다. 대중의 반응을 불러일으키는 아티스트는 거의 없지만 Niki와 같은 규모로 작업할 용기가 있는 아티스트는 거의 없습니다. 그녀의 작품은 크기가 어떻든 작품을 보는 사람이라면 누구나 그 매력을 느낄 수 밖에 없습니다.

또한 그녀의 공식 웹사이트: www.nikidesaintphalle.comwww.queencalifia.org 를 방문하십시오.

진위 여부 또는 인증에 관한 질문은 다음으로 연락하십시오.

니키 자선 예술 재단
“기록관, Jana Shenefield”
archives@nikidesaintphalle.org

웹사이트: nikidesaintphalle.org

Takashi, Murakami, 村上 隆

공장

무라카미 다카시 소개

Takashi Murakami(b. 1963)는 1990년대 일본에서 가장 사려 깊고 많은 생각을 하게 하는 예술가 중 한 명입니다. 그의 작업 범위는 만화 그림에서 준 미니멀리즘 조각, 거대한 풍선 풍선, 공연 행사, 공장에서 생산된 시계, 티셔츠 및 기타 제품에 이르기까지 다양하며 많은 사람들이 그의 시그니처 캐릭터인 Mr. DOB로 장식되어 있습니다.

Takashi Murakami는 1963년 도쿄에서 태어나 도쿄 국립 음악대학에서 학사, 석사 및 박사 학위를 받았습니다. 그는 최근 뉴욕의 Marianne Boesky Gallery(2003)에서 개인전을 가졌습니다. 까르띠에 현대 미술 재단 재단, 파리(2002); 도쿄 현대미술관(2001); 보스턴 미술관(2001); 및 갤러리 Emmanuel Perrotin, 파리(2001).

무라카미 타카시는 예술가로서의 작업 외에도 큐레이터이자 기업가이자 현대 일본 사회의 학생입니다. 2000년 Murakami는 대량 생산된 엔터테인먼트를 향한 움직임과 현대 미학에 미치는 영향을 인정한 Superflat이라는 일본 미술 전시회를 기획했습니다. Murakami는 또한 루이 비통 패션 하우스를 위한 핸드백 및 기타 제품을 만들기 위해 디자이너 마크 제이콥스(Marc Jacobs)와 협력하여 국제적으로 인정받고 있습니다.

Takashi Murakami의 작품은 도쿄도 미술관을 비롯한 전 세계의 권위 있는 박물관에 전시되었습니다. 보스턴 미술관; 그리고 최근 Bard College Museum of Art에서 개인 회고전을 개최했습니다. 무라카미는 자신의 작업을 통해 동양과 서양, 과거와 현재, 고급 예술과 저급 문화에서 이러한 대립을 다루면서 일관되게 재미있고 접근하기 쉬운 상태를 유지했습니다. 그의 작품은 인기 있는 현대 일본 만화와 역사적 일본화의 세계를 변형시킵니다(그는 고전적인 훈련을 받았으며 전통적인 니혼가 스타일로 박사 학위를 받았습니다). 그의 반복되는 캐릭터인 Mr. DOB는 전 세계의 티셔츠, 포스터, 열쇠 고리 등에 나타나며 이러한 3D 조각 중 하나의 형태로 살아났습니다. Murakami는 또한 현대 일본 예술가들의 전시회 “Super Flat”을 기획했습니다.

村上隆

日本藝術家村上隆

동영상

Roy, Lichtenstein,

공장

로이 리히텐슈타인 소개

로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein)은 연재 만화에서 파생된 스타일로 현대 미국 생활에 고유한 문화의 하찮은 것을 묘사하는 팝 아트 화가입니다. 그는 인쇄 산업에서 차용한 밝고 강렬한 색상과 기법을 사용하여 아이러니하게도 대량 생산된 감정과 오브제를 미술사에 대한 고도로 정교한 참조에 통합합니다.

1923년 뉴욕에서 태어난 Lichtenstein은 Art Students League에서 잠시 공부한 후 Ohio State University에 입학했습니다. 1943년부터 1946년까지 군대에서 복무한 후, 그는 석사 학위를 받고 가르치는 일을 하기 위해 오하이오 주로 돌아왔습니다.

1951년, 리히텐슈타인은 뉴욕으로 돌아와 첫 개인전을 가졌습니다. 그는 또한 처음에는 Oswego에 있는 New York State College of Education에서, 나중에는 뉴저지에 있는 Rutgers University의 한 부서인 Douglass College에서 계속 가르쳤습니다.

1950년대까지 리히텐슈타인은 추상 표현주의의 기본 기법을 사용했지만 카우보이, 인디언, 지폐와 같은 주제를 그의 작곡에 통합했습니다. 그러나 1961년 Douglass College에서 동료 Allan Kaprow의 작품에 깊은 인상을 받은 그는 오늘날 자신이 알려진 연재 만화와 만화 인물의 사용으로 눈을 돌렸습니다. Flatten… sandfleas(1962, 현대 미술관)는 그의 새로운 스타일의 첫 번째 중요한 예입니다.

기본 색상(빨간색, 노란색, 파란색으로 윤곽선이 검은색으로 크게 표시됨)은 그가 가장 좋아하는 색상이 되었습니다. 때때로 그는 녹색을 사용했습니다. 그는 색조 대신 이미지를 만드는 방법인 벤데이 도트와 인쇄 시 변조된 톤 밀도를 사용했습니다. 때때로 그는 연재 만화 장면을 선택하고 재구성하여 캔버스에 투영하고 점으로 스텐실했습니다. 리히텐슈타인은 “내 그림이 마치 프로그래밍된 것처럼 보이길 원합니다.”라고 설명했습니다.

그의 그림 중 많은 부분이 상대적으로 작음에도 불구하고 리히텐슈타인의 주제 처리 방식은 기념비적인 크기를 전달합니다. 그의 이미지는 거대해 보인다.

1962년부터 그는 피카소, 몬드리안, 심지어 모네와 같은 예술가들의 작품에 영감을 받았습니다. 1960년대 중반에는 이미 친숙한 스타일로 석양과 풍경도 그렸습니다. 또한 대량 생산을 위한 세라믹 식기와 그래픽을 디자인했습니다.

리히텐슈타인은 자신의 작업을 요약하며 “사회에 만연한 일종의 반감수성을 묘사하는 데 관심이 있습니다.

로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein)의 작품 구매 및 판매는 갤러리에 문의하십시오.

아티스트에 대한 자세한 정보: www.lichtensteinfoundation.org

Jeff , Koons,

공장

제프 쿤스 소개

(1955년) 미국 예술가. 그는 볼티모어의 메릴랜드 인스티튜트 칼리지 오브 아트(Maryland Institute College of Art, BA 1976)에서 교육을 받았고, 예술가로서의 경력을 시작하기 전에 월스트리트 상품 브로커로 일했습니다. 1980년대에 그는 전유와 패러디와 관련된 미국 운동인 Neo-Geo의 급진적 대표자로 국제적 인정을 받았습니다. 1960년대 팝아티스트들의 예를 따라 Koons는 그의 작업을 현대 세계의 상업 시스템을 반영하는 데 사용했습니다. 그는 또한 선택된 제품에 예술적 지위를 부여하면서 뒤샹 전통을 다시 언급했습니다. Perspex(1980-81, 1993 exh. cat., pls 5-9 참조)로 포장된 그의 진공 청소기는 불임 기념물로 분류되었습니다. 그의 깨끗한 국내 제품, 광고, 키치한 장난감 및 모델의 복제품은 1세대 팝 아티스트의 일부 작업에 대한 가려진 비판과 달리 무제한 소비에 대한 열광적인 지지를 나타냈습니다. Koons는 서구 문명을 나르시시즘적 이미지와 화려한 상품에 대한 탐욕스러운 욕망으로 가득 찬 주도적인 사회로 인식했습니다. 황홀하고 진부한 표현에서 그는 취향의 경계선을 깨는 데 주저하지 않았습니다. Made in Heaven(1989-91, 1993 exh. cat., pls 48-65 참조)이라는 제목의 작품에서 그는 노골적인 성적 사진과 아내 Ilona Staller(‘La Cicciolina’)와 함께 있는 자신의 모델을 선보였습니다. 그런 작품들은 당연히 논란이 많았다.

오리지널 작품의 매매는 갤러리로 문의해 주세요.

Yves, Klein,

공장

이브 클라인 소개

Yves Klein은 1928년 4월 28일 니스에서 태어났습니다. 1942년부터 1946년까지 그는 Ecole Nationale de la Marine Marchande와 Ecole Nationale des Langues Orientales에서 공부하고 유도를 시작했습니다. 이때 아르만 페르난데스(Arman Fernandez), 클로드 파스칼(Claude Pascal)과 친구가 되어 그림을 그리기 시작했다. 클라인은 1947년 자신의 첫 번째 교향곡 모노톤을 작곡했습니다. 1948년부터 1952년까지 그는 이탈리아, 영국, 스페인, 일본을 여행했습니다. 1955년에 Klein은 파리에 영구적으로 정착하여 Club des Solitaires에서 개인전을 가졌습니다. 그의 흑백 그림은 1956년 파리의 갤러리 콜레트 아렌디(Galerie Colette Allendy)에서 전시되었습니다.
작가는 1957년에 그의 청색 시대에 들어섰습니다. 올해 그의 작품은 파리의 갤러리 아이리스 클레르(Iris Clert)와 꼴레트 알렌디 갤러리(Galerie Colette Allendy)에서 이중으로 열렸다. 1958년에 그는 누드 모델을 “살아 있는 붓”으로 사용하기 시작했습니다. 또한 그해 독일 겔젠키르헨(Gelsenkirchen)에 있는 새 오페라 극장의 현관 홀 장식 프로젝트를 맡았다. Nouveaux Réalistes 그룹의 첫 번째 선언문은 1960년 Pierre Restany가 작성했으며 Arman, Klein, Daniel Spoerri, Jean Tinguely 등이 서명했습니다. 1961년 Klein은 독일 Krefeld의 Museum Haus Lange에서 회고전을, 뉴욕의 Leo Castelli Gallery에서 미국 첫 개인전을 가졌다. 그와 건축가 Claude Parent는 그 해 파리의 Palais de Chaillot를 위한 물과 불의 분수 Les Fontaines de Varsovie를 위한 디자인에 협력했습니다. 1962년에 클라인은 아르만의 석고 캐스트를 실행하고 파리의 장식 예술 박물관에서 열린 Antagonismes 2: L’Objet 전시회에 참가했습니다. 죽기 직전에 그는 영화 Mondo Cane(1962)에 출연했습니다. 클라인은 1962년 6월 6일 파리에서 갑자기 사망했습니다.

오리지널 작품의 매매는 갤러리로 문의해 주세요.

정품 또는 인증에 관한 질문은 다음으로 연락하십시오.

www.yvesklein.org

Sam, Francis, (1923 - 1994)

공장

샘 프랜시스 소개

Sam Francis(1923 – 1994)는 전후 미국 회화에서 중요한 위치를 차지합니다. 추상 표현주의 운동과 클레멘트 그린버그의 후기 회화적 추상화와 관련이 있지만 당대의 많은 미국 화가들과 달리 그는 프랑스 회화와 그의 작품에 개인적인 영향을 미친 일본 예술에 직접적이고 장기간 노출되었습니다.

1944년 병으로 미 육군 항공대를 떠나자 Francis는 취미로 그림을 그리기 시작했습니다. 그는 1947년에 David Park 밑에서 공부하기로 결정하고 캘리포니아 대학교에서 학사와 석사를 마쳤습니다. 그는 추상 표현주의, 특히 Clyfford Still과 Jackson Pollock의 작품에 큰 영향을 받았습니다. 강한 색의 자유로운 순환과 빛에 대한 감수성을 허용하기 위해 캔버스 위의 공간을 사용함으로써 Francis는 그의 연구가 끝날 때까지 자신의 스타일을 발전시켰습니다.

Francis는 1950년 파리로 이주하여 중요한 영향을 미칠 Jean-Paul Riopelle을 만났고 모네의 수련에 대한 연구는 그의 작업에 지대한 영향을 미쳤습니다. 매우 음소거된 회색과 흰색 팔레트에서 그는 Big Red 1953과 같은 작품을 제작하는 빛과 색상의 품질로 돌아갔습니다. 그는 여백의 사용을 계속 발전시키고 더 큰 강조를 위해 그림의 크기를 늘렸습니다. 유럽에 있는 동안 그는 수많은 기념비적인 벽화를 그렸습니다.

Francis는 1962년 캘리포니아로 돌아와 신비주의와 동양 철학에 대한 West Coast School의 선입견에 영향을 받았습니다. 블루는 1961년에 개인적인 고통과 처음으로 아버지가 된 큰 기쁨에서 영감을 받은 1959년 이후 그의 작업에서 더욱 지배적인 특징이 되었습니다. 이것은 1970년대에 중앙에 배치된 직사각형과 함께 단단한 색상과 보다 규칙적인 구조의 조합으로 이어졌습니다. 결국 이러한 더 단단한 구조는 웹과 같은 패턴을 가진 뱀과 같은 형태의 느슨한 구성으로 바뀌었습니다. 파란색은 때로는 화려하기도 하지만 이후의 많은 작품에서 중요한 부분을 차지했습니다.

판매된 작품

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영화

샘 프랜시스 | 비디오

카탈로그 레조네

오랫동안 기다려온 혁신적인 이 카탈로그 raisonné는 처음으로 캘리포니아 태생의 추상 표현주의자 Sam Francis(1923-1994)의 캔버스와 패널에 알려진 모든 그림을 결합하고 그의 예술적 여정에 대한 포괄적인 연대기를 제공합니다. 20세기 최고의 빛과 색 해석가 중 한 사람인 Francis는 뉴욕과 로스앤젤레스뿐 아니라 파리, 베른, 도쿄에도 작업실을 운영하여 제2차 세계대전 이후 진정으로 국제적인 영향력을 행사한 최초의 미국 화가가 되었습니다. . 길고 다작의 경력을 통해 Francis는 수천 점의 그림과 종이, 판화 및 모노타이프에 대한 작품을 만들었습니다. 그의 작품은 뉴욕 추상 표현주의, 컬러 필드 페인팅, 중국과 일본 예술, 프랑스 인상주의, 그리고 자신의 베이 지역 뿌리를 포함합니다.

Sam Francis: Catalog Raisonné of Canvas and Panel Paintings는 시대에 뒤떨어지지 않는 획기적인 출판물입니다. 풍부한 삽화가 포함된 책과 1,850개 이상의 캔버스 및 패널 페인팅에 대한 이미지와 문서를 제공하는 두 개의 멋진 DVD로 구성되어 있으며 그 중 수백 개는 처음으로 복제되었습니다. DVD에는 또한 작업 중인 예술가의 희귀한 영화, 광범위한 참고 문헌, 전시 이력 및 Francis와 다른 사람들의 엄선된 저작물이 포함되어 있습니다. 이 책에는 William C. Agee의 뛰어난 에세이와 Debra Burchett-Lere가 편집한 전기 타임라인이 있습니다. 구매자는 재단 웹사이트의 전자 업데이트에 액세스할 수 있으므로 Sam Francis는 21세기 독자를 위한 최고의 카탈로그 존재가 됩니다.

카탈로그의 공식 발표는 2011년 10월 4일 뉴욕 소더비에서 열릴 것입니다. 2011년 9월 26일부터 10월 10일까지 Sam Francis의 독창적인 작품을 전시합니다.

최신 카탈로그 주문

최신 카탈로그 주문:

샘 프랜시스 2004를 기리며

90년대 2005년의 알려지지 않은 작품들

 


 

카탈로그 raisonne 제출 또는 그림 연구에 관한 질문은 다음으로 연락하십시오.

샘프란시스재단 samfrancisfoundation@me.com

또한 다음을 방문하십시오: www.samfrancisfoundation.org

샘 프랜시스의 전시 이력을 압축

Debra Burchett-Lere가 편집

1923
• 6월 25일 캘리포니아 샌마테오 출생.

1949
• 캘리포니아 버클리 대학교 학사.

1950
• 버클리 캘리포니아 대학교 석사.

1946-50
• 캘리포니아 샌프란시스코에서 그림을 시작했습니다.

1950-58
• 프랑스 파리에서 거주하며 멕시코, 일본, 유럽을 여행했습니다.

1952
• 갤러리 니나 도세, 파리
• 갤러리 뒤 드래곤, 파리

1955
• Galerie Rive Droite, 파리

1956
• 뉴욕 현대 미술관에서 “12명의 미국인” 그룹 쇼.
• Galerie Rive Droite, 파리
• 뉴욕시 마사 잭슨 갤러리

1957
• 일본 도쿄에 있는 조각가이자 꽃꽂이인 Sofu Teshigahara의 Sogetsu 학교 벽화 완성.
• Gimpel Fils, Ltd, 런던, 영국

1952-58
• Gimpel Fils Ltd., 런던
• Kornfeld 및 Klipstein, 베른, 스위스
• 뉴욕시 마사 잭슨 갤러리

1959
• 뉴욕시에 거주; 체이스 맨해튼 은행 벽화 작업.
• 캘리포니아주 패서디나 미술관에서 개인전을 개최하여 샌프란시스코 미술관을 방문했습니다. 시애틀 미술관, 시애틀, 워싱턴.

1959-61
• 베른에서 살았습니다. 스웨덴 스톡홀름의 모데르나 미술관을 여행한 베른의 쿤스트할레 개인전.

1961
• 영구적인 본거지가 된 캘리포니아주 산타모니카로 이사함.
• Esther Bear Gallery, 캘리포니아 산타바바라

1961-64
• 미나미 갤러리, 도쿄
• Kornfeld 및 Klipstein, 베른
• Galerie Benador, 취리히, 스위스
• 독일 카셀 Documenta III에서 주요 전시회.

1966
• 일본 도쿄 만 상공의 스카이 페인팅 공연.

1967
• 일본 나이바라에서 설화 공연.
• 피에르 마티스 갤러리, 뉴욕시
• 텍사스주 휴스턴에 있는 미술관에서 열린 회고전 박물관 쇼에서 버클리 대학 미술관을 방문했습니다. 샌프란시스코 미술관

1968
• 명예 박사 학위를 받습니다. 캘리포니아 대학교 버클리에서.
• Centre National d’Art Contemporain, 파리
• 쿤스트할레, 바젤.
• 도쿄 미나미 갤러리.

1969-71
• 독일 서베를린 국립미술관에 의뢰하여 벽화를 그리고 설치했습니다.
• 로스앤젤레스 카운티 미술관, 로스앤젤레스, 캘리포니아에서 개인 박물관 전시
• 뉴욕시 마사 잭슨 갤러리
• 펠릭스 란다우 갤러리, 로스앤젤레스.

1970
• 자신의 석판화를 인쇄하고 출판하기 위해 산타모니카에 Litho Shop을 설립했습니다.

1969-72
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕시
• 니콜라스 와일더 갤러리, 로스앤젤레스

1972
• 뉴욕주 버팔로의 올브라이트 녹스 아트 갤러리에서 열린 회고전 개인 박물관 쇼, 워싱턴 DC의 Corcoran Gallery로 여행; 휘트니 미술관, 뉴욕시; 텍사스 주 댈러스 미술관; 오클랜드 미술관, 오클랜드, 캘리포니아.
• 캘리포니아 팔로 알토에 있는 스탠포드 대학교 미술관.

1973-74
• 주로 도쿄에서 살면서 그림을 그렸습니다.

1974
• 도쿄 이데미츠 미술관.
• 미나미 갤러리, 도쿄
• Litho Shop 통합

1975-77
• 니콜라스 와일더 갤러리, 로스앤젤레스
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 리차드 그레이 갤러리, 시카고
• Kornfeld 및 Klipstein, 베른
• 스미스 앤더슨 갤러리, 팔로 알토
• 모노타입에 대해 Garner Tullis와 협업을 시작했습니다.
• 파리 퐁피두 센터를 방문한 덴마크 훔레백에 있는 루이지애나 미술관의 그룹 전시회 “Art in Progress”의 그림. Liljevalchs Konsthall, 스톡홀름.

1978
• 니콜라스 와일더 갤러리, 로스앤젤레스
• 로스앤젤레스 오티스 아트 인스티튜트

1979
• 매사추세츠주 보스턴에 있는 Institute of Contemporary Art에서 종이에 그린 작품의 회고전이 미국 국제 커뮤니케이션 에이전시 산하 대만, 홍콩, 마닐라, 한국, 일본을 순회했습니다.
• 이스라엘 예루살렘의 이스라엘 박물관에서 열린 “Art in Progress” 전시회에 포함됨.
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 브룩 알렉산더, Inc., 뉴욕

1980
• Abbaye de Senanque, Gordes, 프랑스
• 로스앤젤레스 카운티 미술관
• 미즈노 리코 갤러리, 로스앤젤레스
• 제임스 코르코란 갤러리, 로스앤젤레스
• 스미스 앤더슨 갤러리, 팔로 알토
• Weinstocks Department Store, Sacramento 및 Anchorage, Alaska에 있는 General Services Administration 건물의 벽화 커미션.
• 로스앤젤레스 현대미술관 이사회의 일원이 됨.

1981
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 에이스 갤러리, 로스앤젤레스
• 루스 샤프너 갤러리, 산타 바바라
• 아이다호 호프 갤러리의 믿음과 자선
• 샌프란시스코 미술관 벽화 커미션을 완성하기 위해 캘리포니아 San Leandro에 임시 회화 스튜디오를 설립했습니다.

1982
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 도쿄 난텐시 갤러리
• 리차드 그레이 갤러리, 시카고

1983
• 샌프란시스코 공항 벽화를 완성했습니다.
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 갤러리 콘펠트, 베른
• 스미스-앤더슨 갤러리, 팔로 알토
• Fondation Maeght, St.Paul, 프랑스
• Studio Marconi, 밀라노, 이탈리아
• 콜로라도 주립대학교, 콜로라도
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• 아트 어택 갤러리, 아이다호
• 존 버그그루엔 갤러리, 샌프란시스코
• 도쿄 난텐시 갤러리
• 미국 미술관 협회(Art Museum Association of America)를 통한 종이 작품의 순회 조사.

1984
• 예술가들의 책을 출판하기 위해 Lapis Press를 설립했습니다.
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• Pamela Auchincloss Gallery, Santa Barbara
• 브룩 알렉산더, Inc., 뉴욕
• Cantor/Lemberg 갤러리, 버밍엄, 미시간
• 로버트 엘콘 갤러리, 뉴욕
• Thomas Babeor Gallery, 캘리포니아 라호야
• Knoedler 갤러리, 런던
• 제미니 젤, 로스앤젤레스
• Steven Wirtz 갤러리, 샌프란시스코

1985
• 갤러리 콘펠트, 베른
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• 도쿄 난텐시 갤러리
• 리차드 그레이 갤러리, 시카고
• 스미스 앤더슨 갤러리, 팔로 알토
• Hokin 갤러리, 베이 하버 아일, 플로리다
• 샌프란시스코 미술관 벽화 완성.

1986
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• 도쿄 난텐시 갤러리
• 앵글 갤러리, 산타모니카
• 프랑스 르 메어 드 파리
• 브뤼셀 왕립 드 라 모네 극장(Theatre Royal de la Monnaie)의 오페라 내셔널(Opera National) 천장 벽화 그리기 의뢰를 받았습니다.

1987
• 런던 크노들러 갤러리에서 개인전
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• Pamela Auchincloss Gallery, Santa Barbara
• Heland Thorden Wetterling 갤러리, 스톡홀름
• G.Dalsheimer 갤러리, 볼티모어, 메릴랜드
• Galeria Eude, 바르셀로나 스페인
• 매니 실버만 갤러리, 로스앤젤레스
• Galerie Pudelko, 독일 본
• 레버/마이어슨 갤러리, 뉴욕

1988
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• 도쿄 난텐시 갤러리
• 스미스 앤더슨 갤러리, 팔로 알토
• 미주리주 세인트루이스 그린버그 갤러리
• 갤러리 서울, 한국.
• Sam Francis 전시회는 1988년 4월부터 1989년 3월까지 일본 전역을 순회했습니다. 도야마 미술관, 현대 미술관, 다카나와 세이부, 가루이자와, 현대 미술관, 시가, 오하라 미술관, 무라시키, 도쿄 세타가야 미술관.

1989
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• 버나드 제이콥슨 갤러리, 런던
• Sun Valley Center Gallery, 케첨, 아이다호
• 린다 패리스 갤러리, 시애틀
• Cantor/Lemberg 갤러리, 버밍엄
• Knoedler 갤러리, 런던

1990
• Associated American Artists, New York(판화)
• Gallery Delaive, 네덜란드 암스테르담
• 스톡홀름 헬란트 웨터링 갤러리
• 도쿄 오가와예술재단(모노타이프)
• 오치 갤러리, 케첨, 아이다호
• Talbot Rice Gallery, 스코틀랜드 에든버러
• Andre’ Emmerich 갤러리, 뉴욕
• Smith Andersen Gallery, Palo Alto(인쇄물)

1991
• 베른의 Galerie Kornfeld에서 40년 회고전
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• 제임스 코르코란 갤러리, 로스앤젤레스
• 앵글 갤러리, 로스앤젤레스
• Associated American Artists, New York(판화)
• 가고시안 갤러리, 뉴욕
• Centre Regional d’Art Contemporain Midi-Pyrenees, Toulouse-Labege, France.

1992
• 갤러리 다니엘 파피에르스키, 파리
• Museum van der Togt, Amstelveen, 네덜란드
• 국제갤러리, 서울

1993
• 독일 본의 Kunst und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutchland에서 개최된 회고전 박물관 전시회, Pontus Hulten 큐레이터.
• 갤러리 푸델코, 본
• Bobbie Greenfield Fine Art, 베니스, 캘리포니아
• 미셸 코헨 갤러리, 뉴욕
• 오치 갤러리, 케첨
• 매니 실버만 갤러리, 로스앤젤레스
• Galerie Iris Wazzau, 스위스 다보스.
• 새로운 독일 의회 건물 위원회, Bonn.
• 로스앤젤레스 현대미술관(MOCA)에 그림 10점 주요 기증.

1994
• Long Fine Art, 뉴욕
• Galerie Delaive, 암스테르담
• 바비 그린필드 갤러리, 베니스
• 갤러리 장 푸르니에, 파리, 프랑스
• 갤러리 프로아르타, 취리히
• Andre Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 도쿄 난텐시 갤러리
• 리차드 그레이 갤러리, 시카고
• University Art Museum, University of California, Berkeley는 Francis에게 Distinguished Alumnus Award를 수여하고 Francis의 이름으로 장학금을 발표했습니다.
• Daco Verlag Günter Bläse, Stuttgart, Germany는 모노타입에 대한 주요 모노그래프를 출판했습니다.
• 1994년 11월 4일, Sam Francis는 Santa Monica에서 사망했습니다.

1995
• “샘 프랜시스의 마지막 그림”, 152개의 작은 그림(1994년 6월부터 8월까지 산타 모니카 하우스 스튜디오에서 그린)이 로스앤젤레스 카운티 미술관에 전시되었습니다.
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 매니 실버만 갤러리, 로스앤젤레스
• Grunwald/UCLA/Armand Hammer Museum, 로스앤젤레스
• Kunstverein Ludwigsberg, 독일.
• “Les annees Parisiennes – 1950-1961”, 파리 주 드 폼(Jeu de Paume)에서 세 개의 바젤 벽화 패널을 재결합했습니다.

1996
• 스미스 앤더슨 갤러리, 팔로 알토
• 소게츠 미술관, 도쿄
• 갤러리 델라브, 암스테르담
• 가고시안 갤러리, 캘리포니아 비벌리힐스
• 갤러리 가이 피터스, 벨기에 크노케
• Galerie Michael Haas, 베를린
• 갤러리 프로아르타, 취리히

1997
• “Sam Francis: The Archetypal Image”, Frederick M. Weisman Museum of Art, Pepperdine University, Malibu, California에서 개관하고 스페인 마드리드의 Fundacion Caja de Madrid를 방문했습니다.
• André Emmerich 갤러리, 뉴욕
• 매니 실버만 갤러리, 로스앤젤레스
• Musee d’Arte, Mendrisio, 스위스
• 리차드 그레이 갤러리, 시카고
• 갤러리 델라브, 암스테르담
• Galerie Retelet, St. Paul de Vence, 프랑스

1998
• 도로시 블루 갤러리, 베이 하버 아일랜드
• Thomas Segal 갤러리, 볼티모어, 메릴랜드
• ACA 갤러리, 뮌헨, 독일
• 갤러리 가이 피터스, 벨기에 크노케
• 바비 그린필드 갤러리, 산타모니카
• 갤러리 델라브, 암스테르담
• Galleria d’Arte il Gabbiano, 로마, 이탈리아.

1999
• Leslie Sacks Fine Art, 로스앤젤레스(인쇄물)
• Robert Green Fine Arts, 캘리포니아 밀 밸리
• Galleri Faurschou, 덴마크 코펜하겐
• Ikon, Ltd., 로스앤젤레스
• 매니 실버만 갤러리, 로스앤젤레스
• Galerie Pascal Retelet, Saint Paul de Vence, 프랑스
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• 쾰른 Baukunst 갤러리
• Pace Editions, New York(인쇄물)
• Galerie Loeper, 함부르크, 독일

1999-2001
• 주요 회고전 “Sam Francis: Paintings 1947-1990”, William C. Agee 큐레이터 로스앤젤레스 현대미술관. 2001년까지 여행: Menil Collection, 휴스턴, 텍사스; Konsthall Malmö, Malmö, 스웨덴; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, 마드리드, 스페인; Galleria Communale d’ Arte Moderna e Contemporanea, 로마, 이탈리아.

2000
• Galleri GKM Siwert Bergström, 말뫼
• Bruk Kahan 갤러리, 플로리다 보카 레이톤
• 리차드 그레이 갤러리, 뉴욕 및 시카고
• 마드리드의 Rayuela Galeria De Arte; Ikon Ltd., 산타모니카
• 갤러리 델라브, 암스테르담
• Lawrence Rubin Greenberg Van Doren Fine Art, 뉴욕
• 갤러리아 일 가비아노, 로마
• 스프링필드 미술관, 스프링필드, 미주리
• 이데미츠 미술관, 오사카, 도쿄.

2001
• Sam Francis Estate 사무실/갤러리/인쇄 스튜디오는 5440 McConnell Ave., Los Angeles의 새 위치로 이전합니다.
• Meyerovich 갤러리, 샌프란시스코
• 독일 쾰른 Baukunst Galerie
• Galerie Guy Pieters, Saint-Paul, 프랑스
• Alan Cristea 갤러리, 런던
• 갤러리 프로아르타, 취리히
• 브라이언 그로스 갤러리, 샌프란시스코
• 휴스턴 로잉 갤러리
• 갤러리 델라브, 암스테르담

2002
• 갤러리 Andreas Baumgartl, 뮌헨, 독일
• Galerieof Fine Arts Ltd., 그슈타드, 스위스.

2002-2003
• 도쿄 이데미쓰 미술관은 2003년까지 일본의 6개 미술관을 순회하는 Sam Francis의 주요 전시회를 개최합니다(도야마 현대미술관, 지바 가와무라 기념관, 에히메 미술관, 도쿄 현대미술관). ; 후쿠시마현 이와키시립미술관, 오이타현 오이타미술관.

2003
• 스위스 다보스 갤러리 아이리스 와자우에서 개인전.
• 에이스 갤러리, 캘리포니아 비벌리힐스
• Artemis Greenberg Van Doren 갤러리, 뉴욕.
• Galerie Guy Pieters, Saint Paul de Vence(프랑스).
• 로버트 샌델슨 갤러리, 런던, 영국
• 브로드벤트 갤러리, 런던, 영국

2003-2004
• Gallery Delaive, 암스테르담, 네덜란드에서 개인전 프로토타입

2004
• 독일 쾰른 Baukunst Galerie
• Galleri GKM Siwert Bergström, 말뫼, 스웨덴
• 갤러리 토마스, 뮌헨, 독일
• Alanda Arte Contemporanea, 카라라, 이탈리아
• Samuelis Baumgarte Galerie, 빌레펠트, 독일
• Galerie Proarta, 취리히, 스위스
• 베니스 디자인 아트 갤러리, 베니스, 이탈리아
• Martin Lawrence Galleries, 샌프란시스코, 캘리포니아, 미국
• 갤러리 아트존-카구라오카, 교토
• 박물관 Jan van der Togt, Amstelveen, 네덜란드
• Gallery Delaive, 암스테르담, 네덜란드

2005
• 갤러리 와일드, 독일 프랑크푸르트
• 로버트 샌델슨 갤러리, 런던, 영국
• Leslie Sacks Fine Art, 로스앤젤레스, 캘리포니아, 미국
• Kaare Berntsen, 노르웨이 오슬로.
• Movimento Arte Contemporanea, 밀라노, 이탈리아.
• Gallery Delaive, 암스테르담, 네덜란드
• 로젠바움 컨템포러리, 보카 레이톤
• 구라시키 오하라 미술관
• 아메리칸 컨템포러리 아트 갤러리, 뮌헨

2006
• Kunstmuseum, 베른, 스위스.
• Galerie Flintholm, Verster Skerninge, 덴마크.
• 로버트 그린 갤러리, 밀 밸리, 캘리포니아.
• Galerie Lovers of Fine Art, Gstaad
• 갤러리 장 푸르니에, 파리
• Galerie Kornfeld und Cie., 베른
• Leslie Sacks Fine Art, 로스앤젤레스

2007
• 갤러리 장 푸르니에, 파리.
• LC 갤러리, 파리.

2008
• Jack Rutberg Fine Arts, 로스앤젤레스.
• 취리히의 갤러리 프로아르타.
• 갤러리아 산 카를로, 밀라노.
• 갤러리아 레페토, Acqui-Termi.

2009
• 캘리포니아 산타 클라리타에 있는 캐년스 미술관 대학.
• 아메리칸 컨템포러리 아트 갤러리, 뮌헨.
• Smith Andersen North, San Rafael, California.
• Leslie Sacks Fine Art, 로스앤젤레스.
• Samuelis Baumgarte Galerie, 빌레펠트, 독일.
• L&M 아트, 뉴욕.
• 버나드 제이콥슨 갤러리, 런던.
• 갤러리 딜레이브, 암스테르담.
• Guy Pieters 갤러리, Knokke, 벨기에.

2010
• 취리히의 갤러리 프로아르타.
• 뉴욕의 Helly Nahmad 갤러리.
• 슬로바키아 브라티슬라바의 다누비아나 미술관.
• Coskun Fine Art, 런던.
• Galerie Koch, 독일 하노버.

2011
• 갤러리 장 푸르니에, 파리.
• 갤러리 딜레이브, 암스테르담.
• 갤러리 토마스 모던, 뮌헨.
• 페이지갤러리, 서울.
• Tibor de Nagy 갤러리, 뉴욕.
• 토키조 난텐치 갤러리
• 갤러리 콘펠트, 베른
• 로버트 그린 미술, 밀 밸리
• 갤러리 아트존-카구라오카, 교토
• Elins Eagles-Smith Gallery, 샌프란시스코
• 갤러리 손, 베를린
• 갤러리 토마스 모던, 뮌헨

2012
• 태평양 표준시, 베를린.
• 마틴 로렌스 갤러리, 뉴욕.
• 미술관, 산타 바바라.
• Iris Wazzau, 다보스.
• 갤러리 딜레이브, 암스테르담.
• Agnellini Arte Moderna, 브레시아.
• Galleri MDA, 헬싱보리.

2013
• 재단 Beijeler, Basel.
• 캘리포니아 패서디나 미술관 – PMCA, 패서디나
• 말랭그, 파리
• Galleria d’Arte Maggiore, 볼로냐

2014
• S2 갤러리, 뉴욕 소더비
• 조나단 노박 컨템포러리 아트, 로스앤젤레스
• Galerie Iris Wazzau, 스위스 다보스
• Leslie Sacks Fine Art, 로스앤젤레스
• 크로커 미술관, 새크라멘토
• 패서디나 미술관
• 박물관 Jan van der Togt, Amstelveen, 네덜란드
• Guy Pieters 갤러리, 크노케, 벨기에
• 그린필드 색스 갤러리, 산타모니카
• 로버트 그린 미술, 밀 밸리
• 갤러리 플뢰리, 파리

2015
• 갤러리 Diane Pollignac, 파리
• 도쿄 스테이션 갤러리, 도야마
• Van de Wege Fine Art, 뉴욕
• 파리 퐁피두 센터
• 버나드 제이콥슨 갤러리 – 뉴욕
• 버나드 제이콥슨 갤러리 – 런던
• 샬럿의 벡틀러 현대 미술관
• Galerie Koch, 독일 하노버

2016
• Galerie Iris Wazzau, 스위스 다보스
• 마 갤러리, 파리
• 갤러리 델라이브, 아트뉴욕
• 노턴 사이먼 박물관, 파사데나
• 노스캐롤라이나주 샬럿의 벡틀러 현대미술관(Bechtler Museum of Modern Art)
• 밀워키 미술관, 밀워키
• 텍사스주 포트워스에 있는 에이먼 카터 서부 미술관(Amon Carter Museum of Western Art)
• 버나드 야콥슨 갤러리, 런던
• 매니 실버만 갤러리, 로스앤젤레스
• Galerie Koch, 독일 하노버
• Samuel Vanhoegaerden 갤러리, 크노케, 벨기에
• 밴쿠버 브리티시 컬럼비아 대학교

2017
• 버나드 제이콥슨 갤러리, 런던
• 오페라 갤러리, 취리히
• 박물관 Jan van der Togt, Amstelveen, 네덜란드
• 취리히 갤러리아 프로아르타
• LA 루버 갤러리, 베니스

2018
• 갤러리 델라이브, 암스테르담
• 세이존 현대미술관, 나가노, 일본
• 프랑스 메츠 퐁피두 센터

2019
• Jonathan Novak 현대 미술, 뉴욕
• Heather James Fine Art, 팜 데저트

Debra Burchett-Lere가 편집한 Sam Francis 전기(Nancy Mozur 및 Beth Silverman의 지원 및 사전 연구)
Sam Francis 전기, 저작권은 Samuel L. Francis Art Museum, Inc.
(일명 Samuel L. Francis Foundation 또는 Sam Francis Foundation, CA) 2005

Lucio, Fontana,

폰타나 소개

Lucio Fontana는 1899년 2월 19일 아르헨티나의 Rosario de Santa Fé에서 태어났습니다. 그의 아버지는 이탈리아인이고 어머니는 아르헨티나인입니다. 그는 1905년부터 1922년까지 밀라노에서 살았다가 아르헨티나로 돌아와 몇 년 동안 아버지의 작업실에서 조각가로 일하다가 자신의 작업실을 열었습니다. 1926년 그는 Rosario de Santa Fé에서 일하는 아르헨티나의 젊은 예술가 그룹인 Nexus의 첫 번째 전시회에 참가했습니다. 1928년 밀라노로 돌아온 폰타나는 Accademia di Belle Arti di Brera에 등록하여 2년 동안 다녔습니다.

1930년 밀라노의 갤러리아 일 밀리오네(Galleria Il Milione)는 폰타나의 첫 개인전을 조직했습니다. 1934년에 그는 Galleria Il Milione와 관련된 추상 이탈리아 조각가 그룹에 합류했습니다. 작가는 1935년 파리를 여행하여 Abstraction-Creation 그룹에 합류했습니다. 같은 해에 그는 이탈리아 알비솔라에서, 그리고 나중에는 파리 근처의 세브르 공장에서 도예 기술을 개발했습니다. 1939년 밀라노의 표현주의 예술가 그룹인 코렌테(Corrente)에 합류했다. 그는 또한 이 기간 동안 건축가와의 평생 협업을 강화했습니다.

1940년 폰타나는 부에노스아이레스로 이주했다. 그는 1946년 몇몇 제자들과 함께 Academia de Altamira를 설립하여 Manifyto Blanco 그룹을 탄생시켰습니다. 그는 1947년 밀라노로 돌아와 작가 및 철학자 그룹과 협력하여 Primo Manifesto dello spazialismo에 서명했습니다. 그는 이후 Albisola에서 그의 도예 작업을 재개하여 Concetti spaziali로 이러한 새로운 아이디어를 탐구했습니다.

1949년은 Fontana의 경력에서 전환점이 되었습니다. 그는 캔버스에 구멍을 낸 첫 번째 그림 시리즈인 Buchi와 형태 없는 조각, 형광 그림, 어두운 방에서 볼 수 있는 검은 빛이 결합된 첫 번째 공간 환경을 동시에 만들었습니다. 후자의 작업은 곧 그가 천장 장식에 네온 튜빙을 사용하도록 이끌었습니다. 1950년대 초 이탈리아 미술 앵포르멜에 참여[more] 전시회. 이 10년 동안 그는 그림과 조각 모두에서 베기 및 천공과 같은 다양한 효과 작업을 탐구했습니다. 작가는 1961년 마사 잭슨 갤러리(Martha Jackson Gallery)에서 자신의 작품을 전시하는 동안 뉴욕을 방문했습니다. 1966년 그는 밀라노의 라 스칼라를 위한 오페라 세트와 의상을 디자인했습니다.

그의 경력의 마지막 해에 Fontana는 전 세계적으로 그를 기리는 많은 전시회에서 그의 작품을 무대에 올리는 것과 그의 마지막 흰색 캔버스에서 달성한 순수성에 대한 아이디어에 점점 더 관심을 갖게 되었습니다. 이러한 우려는 1966년 베니스 비엔날레에서 그의 작업 환경을 설계했으며 1968년 카셀 도큐멘타에서 두드러졌습니다. 폰타나는 1968년 9월 7일 이탈리아 코마비오에서 사망했습니다.

Kees, van Dongen,

공장

키스 반 동겐 소개

Cornelis Theodorus Marie van Dongen(1877, Delfshaven – 1968, Monte Carlo), 네덜란드 태생의 프랑스 화가, Henri Matisse 이후의 선도적인 야수파 화가 중 한 명으로, 특히 감각적으로 날씬한 여성 초상화로 유명합니다. Van Dongen은 젊었을 때 일찍 예술적 성향을 보였습니다. 그는 로테르담 왕립 미술 아카데미에 다녔고 20세에 파리로 이주했습니다.

몽마르트르 지역의 보헤미안적인 분위기 속에서 하우스 페인팅, 풍자지 일러스트레이터, 카페 아티스트로 활동했다. Matisse를 알게 된 그는 1905년 유명한 Salon d’Automne에 참가하여 Fauve(야수) 그룹이라는 별명을 얻었습니다. 1907년 그는 피카소의 상인 다니엘 헨리 칸바일러와 계약을 맺었고 그의 명성은 높아졌습니다. 1908년 그는 당시 드레스덴을 중심으로 한 독일 표현주의 그룹 Die Brücke(The Bridge)에 초대되었습니다.
Van Dongen의 솔직하고 색채가 풍부한 초상화 스타일은 1차 세계 대전이 끝날 무렵 엄청나게 유행했습니다. 날씬하고 입술이 빨개지며 틀림없이 귀족적인 여성의 모습(1905년 보석을 든 여인에서처럼)은 그의 다소 오싹한 전형이 되었습니다. 아나톨 프랑스(1917)의 초상화는 특히 주목할 만하다. 그는 또한 확실하고 경제적인 스타일로 풍부하게 채색된 수많은 바다 풍경과 파리의 풍경을 그렸습니다.

Corneille, ,

공장

코르네유 소개

기욤 코넬리스 반 베벌루(Guillaume Cornelis van Beverloo, 1922년 출생)는 코르네유라는 가명으로 더 잘 알려진 네덜란드 예술가입니다.

Corneille, Cornelis van Beverloo는 1922년 벨기에 리에주에서 태어났습니다. Corneille는 네덜란드 암스테르담의 Academy of Art에서 미술을 공부했습니다. 그는 1948년 Experimentele Groep Holland의 창립자 중 한 명이었고 1949년에는 COBRA 그룹의 창립자 중 한 명이기도 했습니다. 그는 초기부터 그룹 내에서 활동하며 그림 뿐만 아니라 Cobra 잡지에 시를 게재했습니다. 시적인 코르네유는 미로와 클레의 영향을 많이 받았습니다. 1951년 그룹이 해체된 후 그는 파리로 이주하여 아프리카 미술품 수집을 시작했습니다. 이러한 원시적 유물은 조감도, 이국적인 새, 정형화된 형태와 같이 보다 상상력이 풍부한 스타일을 취하기 시작한 그의 작업에서 분명해졌습니다. 코르네유는 2010년 9월 5일 88세의 나이로 프랑스에서 거주하며 일하다가 사망했습니다.

영화

Constant, , 1920, Amsterdam

공장

상수 정보

Constant(Constant Anton Nieuwenhuys)는 1920년 암스테르담에서 태어나 화가로서의 경력을 시작했습니다. Corneille 및 Karel Appel과 같은 다른 실험 예술가와 함께 그는 Dutch Experimental Group을 설립했습니다. 구성원 중 Constant는 가장 중요한 이론가이자 정치에 가장 많이 참여했습니다. 1946년 파리에 머무는 동안 Constant는 덴마크의 실험 예술가인 Asger Jorn을 만나 친구가 되었습니다. Jorn은 순수 추상 예술이 환상이라는 자신의 생각에 대해 논의했으며 Constant에서 후원자를 찾았습니다. 그들은 둘 다 국제 실험 그룹의 필요성에 동의했고 1948년 11월 CoBrA 그룹(Copenhagen, Brussels, Amsterdam)이 파리에 설립되었습니다. 집단성, 실험, 예술의 오래된 관습에 대한 투쟁은 CoBrA 내에서 가장 중요한 원동력이었습니다. 동물, 원시 예술, 신화, 어린이 예술 및 정신 질환자는 영감의 중요한 원천이었습니다. 암스테르담 1949년과 리에주 1951년이 가장 중요한 전시회였던 여러 전시회 이후, CoBrA 운동이 존재하게 되었고 예술가는 자신의 길을 갔습니다. 상수도 진행했습니다. 1952년에 그는 그림에 점점 더 적은 시간을 할애하고 사회와 예술에 대한 자신의 생각에 더 많은 시간을 할애했습니다. 그 당시 그는 작곡에서 거의 순수한 기하학적 형태를 실험했습니다. 런던과 파리를 여행하는 동안 Constant는 새로운 생활 방식에 대한 이론을 발전시켰고 Asger Jorn과 함께 ‘Mouvement pour une Bauhaus imaginiste’라는 새로 설립된 그룹에 합류하기로 결정했습니다. 1956년경 콘스탄트는 건축에 점점 더 관심을 갖게 되었고 그 결과 미래의 도시를 건설하는 New Babylon이라는 프로젝트가 탄생했습니다. 그는 1956년부터 1969년까지 이 도시의 모델을 작업했으며 1962년에 처음 전시되었습니다. Constant는 또한 이 새로운 환경에서 살 인간에 대한 자신의 생각을 가지고 있었습니다. 그들은 새로운 의식을 가질 것이고, 예술의 오래된 전통에 얽매이지 않고 자유롭고 창의적일 것입니다. Constant는 다양한 예술적 표현을 낳은 사회와 문화에 대해 비판적인 태도를 취합니다. 그는 문제를 해결하고 이러한 예술적 어려움에 대한 창의적인 해결책을 찾는 능력을 보여주었습니다. 그의 최근 회화와 수채화는 콘스탄트의 또 다른 면을 보여준다. 이전에 그가 사용한 주제와 비교하면 거의 퇴폐적인 것처럼 보입니다. 아마도 Constant는 Rubens, Titian 및 Cézanne의 영향을 받았을 것입니다. Constant에서 기대할 수 없는 부드러운 색상의 사용은 그의 실험의 끝이 보이지 않는다는 것을 다시 한 번 증명합니다.

Constant는 오랜 투병 끝에 네덜란드 위트레흐트에서 2005년 8월 1일 85세의 나이로 사망했습니다.

영화

Tom, Wesselmann,

에 대한

아티스트에 대한 정보

Kees , van Bohemen,

공장

에 대한

Kees van Bohemen(헤이그 1928-1986)은 1943년부터 1948년까지 헤이그에 있는 Academie voor Beeldende Kunsten의 학생이었습니다. 그의 초기 작품은 특히 Schoonhoven과 Armando가 속한 «Nederlandse Informele Groep» 및 «Zéro» 그룹과 1959-60년에 연합하는 동안 추상적이었습니다. 1963년경 그는 1964년에 그린 여성 누드가 있는 더 큰 캔버스에서 볼 수 있듯이 비 유적 주제에 관심을 돌렸습니다. 1966-67년에 미국에 체류하면서 눈에 띄는 스포츠 주제가 생겨났고 1970년대 초 아프리카로 여행을 떠나 사바나와 정글을 주제로 한 일련의 그림이 탄생했습니다.

그의 회화 기법은 1950년대의 추상 표현주의와 많은 공통점을 가지고 있지만 그의 작품은 인간의 표현에 중점을 두고 있습니다. Van Bohemen은 1966년의 권위 있는 Jacob Marisprijs를 포함하여 수많은 상을 받았습니다.

판매된 작품

No artworks found

영화

Karel , Appel, Dutch expressionist

공장

카렐 아펠 소개

네덜란드 표현주의 화가 카렐 아펠(Karel Appel, 1921-2006)은 암스테르담 왕립 미술 아카데미(Royal Academy of Fine Arts, 1940-1943)에서 공부했습니다. 1948년 그는 암스테르담에서 실험 그룹을 만드는 것을 도왔고, 이것은 나중에 CoBrA의 기초를 형성했습니다. 그는 1950년에 파리로 이주하여 그 이후로 프랑스에서 살고 있습니다. 1940년대 후반과 1950년대 초반에 아펠은 어린아이의 눈으로 사물을 보려는 시도로 전후 재건과 새로운 시작의 분위기를 포착했습니다. 장 뒤뷔페(Jean Dubuffet, 1901-1985)와 마찬가지로 아펠은 클레, 미로, 놀데의 후기 작품의 영향을 엿볼 수 있는 사람, 동물, 원시 조각의 기념비적인 그래피티 같은 이미지를 그렸다. 1953년경에 아펠의 스타일은 더욱 회화적이 되었습니다. 그 형상은 무의식에서 솟아오르는 신화적인 생물처럼 사납게 소용돌이치는 밝은 페인트 덩어리의 일부를 형성했습니다. 이 초현실주의 자동 접근 방식은 1970년대에 더 장식적인 스타일로 바뀌었습니다.

영화

카렐 아펠 | 비디오

Peter, Anton,

공장

피터 안톤 소개

Peter Anton(1963, 코네티컷주 뉴헤이븐)은 미국의 예술가이자 조각가입니다. 그의 주요 주제는 초콜릿 및 기타 과자에 중점을 둔 음식입니다. 종종 “캔디 워홀(Candy Warhol)”이라고 불리는 Anton은 거대하고 사실적인 조각품을 만들고 “실제보다 큰” 박스 초콜릿으로 가장 잘 알려져 있습니다.

때때로 Anton의 스튜디오는 그가 모델로 사용하는 수십 개의 실제 간식으로 가득 차 있기 때문에 과자 가게와 비슷할 수 있습니다. 그의 시작 과정은 새로운 주제에 과도하게 익숙해지기 위해 계속해서 새로운 음식을 먹고, 냄새를 맡고, 느끼고, 연구하고, 해부하는 것입니다. 그런 다음 그는 조각, 조각, 샌딩, 페인팅 및 혼합 미디어 작업의 길고 지루한 과정을 시작합니다.

“저는 조각품에서 음식에 새로운 의미를 부여하기 위해 음식을 바꾸고 과장하는 것을 좋아합니다. 저는 우리가 먹는 것에 대해 천부적인 존경심을 가지고 있습니다. 음식은 사람들을 하나로 묶고 삶을 축하하는 더 좋은 방법은 없습니다. 유머, 규모, 아이러니와 내 형태의 강렬함, 우리가 당연하게 여겼던 음식은 미학적으로 즐겁고 비정형적인 방식으로 매혹됩니다. 저는 유혹하고, 매혹하고, 놀리고, 무장해제시키고, 놀라게 할 수 있는 예술을 만드는 것을 좋아합니다. 제 조각품은 관객을 취약한 상태로 만들어 자신의 내면과 좀 더 솔직하고 직접적으로 소통할 수 있고, 즐거움을 주는 것에 대한 갈망을 활성화하고 항복하도록 강요하는 작품의 관능적 성격은 인간의 기본적인 욕구와 갈망을 유발하는 욕구와 욕망을 자극한다. 열정.”

Peter Anton

영화

피터 안톤 | 라이브 페인팅 세션

컬렉션

Tommy Mottola & Thalia, 뉴욕, NY
Tom Werner, 보스턴, MA
데니스 호퍼, 로스앤젤레스, CA
켐퍼 현대미술관, 캔자스시티, 미주리
하워드 스트링거 경, 팜비치, 플로리다
포틀랜드 미술관, 포틀랜드, OR
노먼 포스터 경, 런던, 영국
남작 부인 Jeane von Oppenheim, 쾰른, 독일
키스 리차즈, 웨스턴, 코네티컷
레이먼드 제임스 파이낸셜, 세인트 피터스버그, 플로리다
Torsten Prochnow, 프린스 컬렉션, 뉴욕
Barenaked Ladies, 마이애미, 플로리다
조르지오 페르페티, 밀라노, 이탈리아
J.Ira & Nicki Harris, 뉴욕, NY
Cosnova Cosmetics, Sulzbach, 독일
Jeffrey Chodorow, Hamptons, NY
요르단 왕실, 암만, 요르단
Charles & Linda Ho, 홍콩
수잔 & 볼프강 포르쉐, 독일
Bank Oppenheim, 쾰른, 독일
Perfetti Van Melle, 브레다, 네덜란드
Leasconcept, 에센, 독일
Breitling 시계, Grenchen, 스위스
Schneider Transportation, 그린 베이, 위스콘신
ExecuCounsel, 토론토, 캐나다
Coty Cosmetics, 뉴욕, NY
테네시 주립 박물관, 내슈빌, 테네시
알드리치 미술관, 리지필드, 코네티컷
Arkansas Arts Center, 리틀록, AR
빌 클린턴 대통령(뉴욕주 채파콰)
Giulio Cappellini, 밀라노, 이탈리아
Rufus Crosby Kemper, Jr., 팜비치, 플로리다
블랙스톤 리조트 호텔, 제주

개인전

2017년
유닉스 갤러리, 뉴욕, 슈가타리움

2016년
Scott Richards 현대 미술, 샌프란시스코, CA CANDY 댄디
유닉스 갤러리, 뉴욕, NY I LOVE YOU

2015년
갤러리 발렌타인, 이스트 햄튼, NY FROSTBITE
Gallery Delaive와 함께하는 아트 마이애미
Guy Pieters Gallery, 크노케, 벨기에, BONBON-O-RAMA
유닉스 갤러리, 뉴욕, 뉴욕 THE FOODHIST TEMPLE
갤러리 델라브와 함께하는 TEFAF
박물관 Jan Van Der Togt, Amstelveen, 네덜란드

2014년
Gallery Delaive, 암스테르담, 네덜란드 인생은 커다란 초콜릿 상자와 같습니다.
Rarity Gallery, 미코노스, 그리스 SWEET PARADISE

2013
데이비스 클렘 갤러리, 비스바덴, 독일 피터 안톤 조각
Scott Richards 현대 미술, 샌프란시스코, CA RANDOM ACTS OF DUGENCE

2012
아트 마이애미, SUGAR & GOMORRAH

2010
Galerie Ralph Schriever, 쾰른, 독일 CANDY ART

2009
UrbanArt, 서울, 한국 SWEET ATTRACTION
앨런 스톤 갤러리, 뉴욕, NY SCULPTURE

2008
갤러리 페르골레스, 프랑스 파리 NEW WORK
Galerie Bertin-Toublanc, 마이애미, 플로리다 최근 작품

2007
Galerie Terminus, 뮌헨, 독일 삶보다 더 큰

2005
Hammer Galleries, New York, NY 얼마나 달콤한지!

2002
Russeck Gallery, 뉴욕, NY NEW YORK CHOCOLATE SHOW

2000
Bruce R. Lewin Gallery, 뉴욕, NY KING SIZE

1999
Bruce R. Lewin Gallery, 뉴욕, NY SWEET SHANGRI-LA

1998
브루스 R. 르윈 갤러리, 뉴욕, 뉴욕 UFO 미확인 식품 개체

1996
Bruce R. Lewin Gallery, New York, NY THROGOUT THE LAND!

1995
브루스 R. 르윈 갤러리, 뉴욕, 뉴욕 THE GREAT AMERICAN SEED SHOW

1993
헨리 갤러리, 워싱턴 DC MY DINNER WITH HENRI

단체전 선발

2019년
Lisser 미술관, Lisse, 네덜란드

2017년
셸번 박물관, 셸번
나소 카운티 미술관, 로슬린
머틀 비치 채핀 미술관

2016년
Museum Villa Rot, Burgriedon-Rot, 독일
나소 카운티 미술관, 로슬린

2015
윌리엄 벤튼 박물관, 스토스, 코네티컷

2014년
뱅크 오브 아메리카 센터, 휴스턴, 텍사스
데이비스 클렘 갤러리 뮌헨, 독일
Arcature Fine Art, 팜비치, 플로리다

2013
Schloss Gottorf Museum, 슐레스비히, 독일

2012
리터 박물관, Waldenbuch, 독일
갤러리 발렌타인, 이스트 햄튼, 뉴욕
스트라스모어 박물관, 베데스다, 메릴랜드
독일 노이엔부르크 성 노이엔부르크 박물관
Arcature Fine Art, 팜비치, 플로리다
케즐러 갤러리, 뉴욕, NY
Scott Richards 현대 미술, 샌프란시스코, 캘리포니아

2011
빌헬름 핵 박물관, 루트비히스하펜, 독일
Staatliche Kunsthalle, 카를스루에, 독일
우드슨 미술관, 와소, 위스콘신
Scott Richards 현대 미술, 샌프란시스코, 캘리포니아
케즐러 갤러리, 뉴욕, NY
사우샘프턴, 뉴욕
켐퍼 현대미술관, 캔자스시티, 미주리
갤러리 비바, 팜비치, 플로리다
데이비스 클렘 갤러리, 프랑크푸르트, 독일

2010
케즐러 갤러리, 뉴욕, NY
Scott Richards 현대 미술, 샌프란시스코, 캘리포니아
Unix Fine Art, 런던, 영국
유서 깊은 시청 예술 및 문화 센터, 레이크 찰스, LA
Museum Villa Rot, Burgrieden-Rot, 독일
앨런 스톤 갤러리, 뉴욕, NY
갤러리 비바, 팜비치, 플로리다

2009
Nicolaysen 미술관, 캐스퍼, WY
프레즈노 메트로폴리탄 박물관, 프레즈노, 캘리포니아
앨런 스톤 갤러리, 뉴욕, NY
Madden 미술관, 덴버, CO

2008
데이비스 클렘 갤러리, 프랑크푸르트, 독일
앨런 스톤 갤러리, 뉴욕, NY
Galerie Bertin-Toublanc, 마이애미, 플로리다
갤러리 종점, 뮌헨, 독일

2007

갤러리 베르탱 투블랑, 파리, 프랑스
Galerie Bertin-Toublanc, 마이애미, 플로리다
플린 갤러리, 그리니치, 코네티컷
허드슨 강 박물관, 용커스, 뉴욕
갤러리 종점, 뮌헨, 독일

2006
갤러리 종점, 뮌헨, 독일
앨런 스톤 갤러리, 뉴욕, NY

2005
Russeck 갤러리, 팜 비치, 플로리다
Russeck 갤러리, 라스베가스, 네바다

2004
러섹 갤러리, 샌프란시스코, 캘리포니아

2003
COPIA American Center for Food Wine & Arts, 나파 밸리, CA
러섹 갤러리, 샌프란시스코, 캘리포니아
Russeck 갤러리, 팜 비치, 플로리다

2002
러섹 갤러리, 뉴욕, NY

2001
앨런 스톤 갤러리, 뉴욕, NY
Elaine Baker 갤러리, 보카 레이턴, 플로리다

1998
펠햄 아트 센터, 펠햄, 뉴욕

1996
오스틴 미술관, 오스틴, 텍사스

1995
브루스 R. 르윈 갤러리, 뉴욕, 뉴욕

1994

브루스 R. 르윈 갤러리, 뉴욕, 뉴욕
카스텔라니 미술관, 나이아가라, 뉴욕
스토닝턴 갤러리, 케첨, ID
Koucky Galleries, Charlevoix, MI
올빼미 57 갤러리, 우드미어, NY
Somerhill Gallery, 채플 힐, 노스캐롤라이나

1993
Aetna 갤러리, 하트퍼드, 코네티컷
앤더슨 갤러리, 버팔로, 뉴욕
아트스페이스 갤러리, 뉴헤이븐, 코네티컷

Ayako, Rokkaku, ロッカクアヤコ, Japan, 1982

공장

록카쿠 아야코(六角彩子)에 대해

아티스트 Ayako Rokkaku(일본, 1982)는 2006년 Geisai 아트 페어에서 자신의 스탠드로 참가한 인터뷰에서 이렇게 말했습니다. 일본의 저명한 팝 아티스트 Takashi Murakami의 회사인 Kaikai Kiki는 차세대 일본 예술가들을 지원하기 위해 Geisai 아트 페어를 시작했습니다. Rokkaku는 Geisai #4에서 스카우트 상을, Geisai #9에서 권위 있는 Akio Goto Prize를 수상했습니다. Geisai는 경매 하우스 Christie’s의 소유주인 Francois Pinault와 제9회 미술 시장의 심사위원 패널에 참여한 건축가 Tadao Ando와 같은 유명 업계 전문가들을 초대했습니다. 아티스트 Yoshimoto Nara와 David Ellis는 Geisai의 초기 판에서 심사위원단을 구성했습니다.

Ayako Rokkaku는 ‘대도쿄’ 지역에 위치한 도시인 치바시에서 태어났습니다. 그녀는 2002년에 그림을 그리기 시작하여 자신의 그림 기법을 마스터했습니다. 그녀는 미술 학교에 다니지 않았지만 완전히 독학했습니다. Rokkaku의 아이코닉한 스타일은 캐릭터로 가득 찬 솔직한 표정을 가진 대부분의 여성이 큰 인물을 특징으로 합니다. 꽃, 작은 인물, 무지개 같은 얼룩이 흩어져 있는 선명한 색상의 배경이 다채롭고 행복한 꿈의 세계를 구성합니다. 그녀의 캐릭터의 큰 눈과 긴 팔은 일본 만화 스타일에 적합하며 밝은 색상과 구성은 유아가 그린 그림을 연상시킵니다. 우연이 아니라 Rokkaku가 어린이 그림의 상상력과 규칙의 부족을 좋아하기 때문입니다.

맨손과 손으로 아크릴 물감을 캔버스에 직접 바르는 그의 독특한 기법은 역동적이고 생동감 있는 구도에서 쉽게 알아볼 수 있다. Rokkaku는 전통적인 미디어에 국한되지 않고 사용된 판지와 빈티지 루이 비통 트렁크 조각을 다채로운 예술 작품으로 쉽게 변형시킵니다. 그녀는 특히 너비와 높이가 수 미터에 달하는 매우 큰 그림을 그리는 것을 즐깁니다. 캔버스에 대한 그녀의 직접적인 접근의 힘은 그녀가 아트 페어와 전시회에서 라이브로 그리는 ‘퍼포먼스 페인팅’에서 최적으로 나타납니다. 그러한 사건의 청중으로서 우리는 그녀의 세계의 일부가 될 기회를 얻습니다. 아야코 롯카쿠는 현재 베를린, 포르투, 도쿄, 암스테르담을 오가며 거주하며 작업하고 있습니다. 2006년부터 Gallery Delaive는 Ayako Rokkaku의 세계적인 대표입니다. 그녀는 수많은 갤러리에서 (개인) 전시회를 개최했으며 아시아, 유럽 및 미국의 아트 페어에서 전시했습니다. 네덜란드 로테르담의 Kunsthal 박물관과 슬로바키아의 Meulensteen Danubiana Art Museum에서의 개인전은 수천 명의 방문객을 끌어들였습니다.

판매된 작품

영화

롯카쿠 아야코 | 라이브 페인팅 세션

색상을 더듬어, 작은 발견 | 목록

롯카쿠 아야코 | 개요

프로필
1982년 일본 도쿄 출생
2019 포르투, 베를린, 도쿄, 암스테르담에서 거주하며 작업합니다.

개인전
2021 “Born in the Fluffy Journey”, 쾨니히 갤러리, 베를린, 독일
2021 “괴도 스트레이 정키”, 갤러리 트랙스, 야마나시, 일본
2020 “Magic Hand”, 치바현립미술관, 일본
2019 “Fumble in colors, small discoveries”, Museum Jan van der Togt, Amstelveen, 네덜란드
2018 ComplexCon, 로스앤젤레스, 미국 (갤러리 델라이브)
2018 “Perpetual Colors” 필립스, 홍콩
2018 “Bright wind, another step”, Gallery Delaive, 암스테르담, 네덜란드
2017 “Obscura”, 갤러리 타겟, 도쿄, 일본
2016 “Sealed Reminiscence”, 갤러리 델라브, 암스테르담, 네덜란드
2015 “Lumpy Fluffy Splatter”, 갤러리 트랙스, 야마나시, 일본
2015 Open Studio, Swatch Art Pavilion, 베네치아 비엔날레, 베니스, 이탈리아
2014 “Never Ending Love Letter”, 갤러리 타겟, 도쿄, 일본
2012 “냄새가 나는 곳”, 다누비아나 뮬렌스틴 미술관, 브라티슬라바, 슬로바키아
2011 “Colours in my hand”, 쿤스트탈, 로테르담, 네덜란드
2010 “About Us”, VACANT, 도쿄, 일본
2010 “About Us”, Gallery Delaive, 암스테르담, 네덜란드
2009 “Girl in Moment”, Guy Pieters Gallery, 크노케-하이스트, 벨기에
2009 San Carlo Gallery, 밀라노, 이탈리아 2008 Juliana Gallery, 서울, 한국
2008 Gallery Delaive, 암스테르담, 네덜란드
2008 갤러리 와일드, 프랑크푸르트, 독일
2007 갤러리 테오, 도쿄, 일본
2007 Galerie Moderne, 실케보르, 덴마크
2007 “Walking around 구름”, Gallery Delaive, 암스테르담, 네덜란드
2006 갤러리 AAA, 파리, 프랑스

선택된 그룹 전시회
2020 “오케타 컬렉션: 새로운 10년, 나선형 정원, 도쿄, 일본
2018 “25주년 기념 갤러리 트랙스 vol. 1, 갤러리 트랙스, 야마나시, 일본
2017 고양이 사랑. 예술에는 아홉이 산다, 쿤스트할 로테르담
2017 “Cool Japan”, Volkenkundig Museum Leiden, 네덜란드
2015 Swatch 사랑 예술, 홍콩
2014 “Faces and Traces”, 스와치 아트 피스 호텔, 상하이
2014 Museum van der Togt, Amstelveen, 네덜란드
2012 Pop Art Accrochage, Fluegel-Roncak Gallery, 뉘른베르크, 독일
2012 Swatch Art Peace Hotel, 상하이, 중국
2011 Swatch Art Peace Hotel, 상하이, 중국
2010 “Manga in Amsterdam”, 빌렘 커세붐 갤러리, 암스테르담, 네덜란드
2006 Tokyo GG Night, 호텔 클라스카, 도쿄, 일본
2006 Tokyo Girls Collection, Yoyogi Taikukan, 도쿄, 일본

아트 페어
2020 VOLTA, 뉴욕, 미국 (갤러리 델라이브)
2019 아트 마이애미, 마이애미, 미국 (갤러리 델라이브)
2019 KunstRAI, 암스테르담, 네덜란드 (갤러리 델라이브)
2018 ComplexCon, Los Angeles, USA (Gallery Delaive) (솔로)
2018 KunstRAI, 암스테르담, 네덜란드 (갤러리 델라이브)
2018 TEFAF, 마스트리히트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2017 아트페어 도쿄 2017, 도쿄, 일본
2017 TEFAF, 마스트리히트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2016 Art Miami, 마이애미, 미국, (갤러리 델라이브)
2016 Art New York, 뉴욕, 미국, (갤러리 델라이브)
2016 TEFAF, 마스트리히트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2015 Art Miami, 마이애미, 미국, (갤러리 델라이브)
2015 TEFAF, 마스트리히트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2014 Art Miami, 마이애미, 미국, (갤러리 델라이브)
2014 TEFAF, 마스트리히트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2013 어포더블 아트페어, 홍콩 (갤러리 델라브)
2013 Art Miami, 마이애미, 미국, (갤러리 델라이브)
2013 TEFAF, 마스트리흐트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2012 Art Cologne, 쾰른, 독일, (갤러리 델라브)
2012 Art Paris, 파리, 프랑스, (갤러리 들라브)
2012 TEFAF, 마스트리히트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2011 TEFAF, 마스트리흐트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2011 Art Cologne, 쾰른, 독일, (갤러리 들라브)
2010 Scope Basel, 바젤, 스위스, (갤러리 델라이브)
2010 Art Amsterdam, 암스테르담, 네덜란드, (갤러리 델라브)
2010 TEFAF, 마스트리흐트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2009 Art Amsterdam, Amsterdam, The Netherlands, (갤러리 델라브) (개인)
2009 Affordable Art Fair 네덜란드 암스테르담 (갤러리 델라이브)
2009 TEFAF, 마스트리흐트, 네덜란드, (갤러리 델라이브)
2009 Art Fair Tokyo: Tokyo International Forum, Tokyo, Japan (Gallery Delaive) (개인)
2008 Art Asia Fair, 마이애미, 미국 (갤러리 델라이브)
2008 Art Amsterdam, The Netherlands (갤러리 델라브)
2008 Art Taipei, 대만, (갤러리 들라브)
2008 Art Fair Tokyo: Tokyo International Forum, 도쿄, 일본 (개인)
2007 Art Singapore, 싱가포르 (갤러리 델라브)
2007 상하이 아트페어, 중국 (갤러리 들라브)
2007 Art Amsterdam, The Netherlands (갤러리 델라브)
2007 호텔 아그네스 아트페어, 도쿄, 일본
2007 Art Cologne, 독일 (갤러리 델라브)
2006 Nada Art Fair, The Ice Palace, 마이애미, 미국
2006 GEISAI #10, Tokyo Big Sight, 도쿄, 일본
2006 Art Basel Volta Show02, 바젤, 스위스(단체)
2006 GEISAI #9, Tokyo Big Sight, 도쿄, 일본

박물관 컬렉션
Danubiana Meulensteen Art Museum, 브라티슬라바, 슬로바키아 공화국
Voorlinden 박물관, 바세나르, 네덜란드
군마미술관, 다테바야시, 일본
세화미술관 / 세화문화재단, 서울
일본 나가노현 가루이우자와 현대미술관
파워롱 미술관, 상하이, 중국
일본 오케타 컬렉션

간행물
2020 “마법의 손”, 지바 현립 미술관, 전시 카탈로그
2019 “Fumble in colors, 작은 발견들”, Gallery Delaive, 전시 카탈로그
2018 “밝은 바람, 또 한 걸음”, 갤러리 델라브, 전시 카탈로그
2013 “いっぱいいもうと” 福音館書店, 그림책
2012 “냄새는 어디에서 오는가”, 다누비아나 뮐렌스틴 미술관, 전시 카탈로그
2011 “Colours in My Hand”, 로테르담 미술관, 전시 카탈로그
2011 “회사소개”, Contrarede, 그림책 및 DVD
2010 “Amsterdam-Tokyo”, Gallery Delaive, 전시 카탈로그
2007 “Ayako Rokkaku”, Galerie Moderne Silkeborg, 전시 카탈로그
2007 “Walkin’ Around Clouds”, 갤러리 델라브, 전시 카탈로그

”…가능한 한 오래 그림을 그리고 싶어요.”